关于素描教学方式的若干思考
摘要：素描教学是艺术教育中的一个启蒙环节，直接关系到我们社会的文化发展和人文精神的确立。针对艺术教学、艺术创作环节中的偏见和误解，结合自身多年来的素描创作和教学研究，对素描教学方式的思考进行了总结阐述。
关键词：素描教学方式 空间 调整 光影 构筑
素描教学是艺术教育中的一个启蒙环节，是一代又一代受教育者认识事物、发现事物、创造事物的起点。它直接关系到我们社会的文化发展和人文精神的确立。但是长期以来，我们的美术教育却忽视了这样一个事关人才培养、文明建设的重要环节。我们把素描片面化、工具化，并由此引发了艺术教学、艺术创作环节中的诸多偏见、误解，甚至是错误。值此社科研究项目之际，把自己多年来关于素描创作研究、教学研究的点滴体会心得梳理出来，以供从事艺术教学及创作的人们共同参考，看看能否引起大家的重视，并且能够引发一些积极的改变。
一、“涂抹”出来的准确
（一）看准与画准
在美术学院的素描教学中，“准确”一直是造型能力最核心的体现。但“准确”与否，不仅要用手画，还要用眼看。画画的人不一定都知道，看准与画准虽然目的都是准确，但性质却截然不同。看得准是观察方法，画得准是表现方法。看得准是道，画得准是技。看得准是相对的，画得准是绝对的。由于你看、我看、他看的结果各不相同，所以才有了你画、我画、他画的不同。因此素描中的准确，是由每一位绘画者的眼力决定的，他们看到的不应仅仅是轮廓，还应看到轮廓、明暗、比例之间的整体关系协调。
（二）纸上的触摸
在素描绘画的过程中，笔和纸的接触，会形成一种触摸感的体验，然而这种触摸感与造型的准确性之间有着必然的联系。所谓画画，其实就是涂抹，而涂抹就是一种触摸。表面上是涂抹素描的对象，事实上却是在触摸素描的对象。在观看写生对象时，我们通过铅笔把眼睛看到的一切转换出来，这种转换就是间接的触摸。这是一种触觉意义上的视觉体验，素描造型的准确性就是在这种触摸中生成的。绘画者一边观察一边在画面上涂抹，在涂抹中体会形态的准确，把握结构的准确，寻找造型的准确。
二、“比较”出来的空间
（一）物理的空间
素描的物理空间，是虚拟的三维空间，是一种建立在透视学基础上的“假象”。我们会根据眼睛所见，画出事物的比例、结构、透视、明暗和虚实，并最终再现出事物的“真实感”和“空间感”。依靠这种方式，我们可以在平面的画面中，“虚拟出”任何事物的立体效果，“推算出”任何事物的空间效果。因此我们可以说，素描具有很强的逻辑性，以至于我们不得不从逻辑的角度去比较每一个事物的空间存在。
（二）心理的空间
素描的心理空间，是真实的多维空间，是一种建立在人文学基础上的“真实”，它不是虚拟的。在素描的深入训练阶段，我们会依赖自己的内心去体会对象，这是一种直觉的体会方式，我们不仅会看到，更多的是感受到事物的空间存在。并且学着用直觉去“获取”事物的比例、尺寸和分量，而不是推算它们。这是心理的比较，比较出事物的长、宽、高，比较出造型的高、矮、胖、瘦。我们不仅能够感受到它们，更重要的是眼见不再为实，耳听不再为虚，而是依据心灵所见去比较事物的空间。
三、“深入”就是不断地调整
（一）深入不是画得细
素描的深入，不完全是从整体到局部的逐一刻画，也不完全是由粗犷到精细的逐渐演变。素描的细致与深入并不是一回事。深入是素描的目的，但画得细却不是，细致仅仅是一种手段而已。深入不仅是一种能力，还是一种认识。画画的人要明白深入的意义，画得细的意义。细致的画，不一定深入；而深入的画，也不一定细致。绘画中的细，指的是一种关怀，一种在素描创作基础之上对事物无微不至的关怀，以及对事物细致入微的观察。由于这种关怀和观察，我们才可能画细，才会画得深入。
（二）调整不是修改
对于画面局部错误的纠正是素描的修改，而对于画面中局部与局部之间关系的修正则叫作调整。修改的前提是“有错”，如果将“纠错”作为素描创作的前提，那我们必定会将调整认作修改，因为我们想画得更“好”。如果是这样的话，素描的性质就被改变了，原本是一个分析思考的过程，是一个在纠结矛盾中获得经验的过程，是一个在控制和失控中成熟的过程，但在修改的目的引导下，就什么都没有了。
四、“细节”是指关系的微妙
（一）不分彼此
“失之毫厘，差之千里”的意思，就是指绘画中的那些微妙的事物关系，那些相互依赖彼此才能够确立下来的意义。虽然素描需要画那些可见的事物，但更重要的是画那些不可见的事物，而所谓不可见的事物就是它们之间的“微妙关系”。我们也可以把这些“微妙关系”称为“细节”，这不是事物普通意义上的“细节”，而是绘画者对于素描最本质的理解。“细节”不是孤立的，是建立在两个以上对应关系之间的差异、对比以及变化。从绘画者对于“细节”的理解中，可以看出他们对于素描的理解。
（二）最后一根稻草
决定画面是否精湛的最终因素是“形态”，而不是“形状”，是那些处在毫厘之间的，起着举足轻重作用的微妙形态。通常我们画素描的兴趣，都是源于对这些形态的斟酌、比较、发现。往往一念之差就能决定素描的“去与留”，也能决定从素描中获得的“喜与悲”。素描是由无数个“细节”累积而成的，而最后一个“细节”则确定了素描最终的结局。这个“细节”就是形态与形态、形态与空间、形态与形象之间的微妙关系，它决定了每一张素描的“成败”。
五、“光与影”营造的未知世界
（一）光影不是照明
素描中的光影是生成绘画的重要因素，也是形态塑造的依靠。但光影不仅仅是用来照明或者描绘立体感的。素描中光影的美妙，在于偶然、在于变换、在于发现，也在于变化导致的惊奇。我们会看到许多不同的光影，也会看到许多因此而不同的素描。光的方向，影的长短，光影的交织，形态的改变。在光影的作用下，我们会产生恍惚、产生错觉，最终还会产生联想，是关于构图组织、刻画描绘、情感寄托的联想。问题的关键在于，当光影走进我们的视野时，我们会不会迅速地感觉到它们，并使它们变得从此与众不同。
（二）动中求静与静中求动
动和静的关系在光与影的交织中体现得非常明确，它们属于素描创作的原动力，没有对动与静的观察表现，光影的价值就会大大降低。在光线的作用下，物体显现了形，也产生了影。光的改变带来了影的改变，也带来了形的改变。现实中的光与影是时刻变动着的一对因素，因此我们既要捕捉光影的“静”，也要刻画光影的“动”。素描的目的不是记录现实中的光影，而是表现光影带给我们的联想和启发。绘画的魅力在于捕捉生活中的那些美妙瞬间，但捕捉不是让瞬间凝固，而是让瞬间永恒。生活是由数不清的瞬间组成的，绘画所描绘的瞬间，则是这许许多多瞬间中最美的一个，并且是我们每个人都愿意接受的美。
六、“曲与直”带来的创造可能
（一）学会比较
曲与直的形态状况并非仅仅是一种客观现象，也是人的主观认识，它能够说明我们认识问题的深度和解决问题的角度。我们描绘的各种物体，都是由各种不同的形状组成的，我们可以把这些形状看作“轮廓”的变化，去追求轮廓线的准确；也可以把形状看作“曲与直”的变化，去追求那些由于“曲与直”变化造成的有趣的造型现象。前者需要我们的刻画能力，而后者需要的却是我们的比较分析能力。
（二）利用偶然
画面中由形态引发的视觉因素是一种必然，还是一种偶然，这取决于我们对待必然性与偶然性的态度。很多时候画面中的视觉因素就在那里，我们却视而不见。这当中有些因素是必然的，我们一看便知，它们也不会发生改变，比如物体的大小、高矮、胖瘦等。有些则是偶然的，我们有可能看见，也有可能看不见，它们随时在发生变化，比如节奏、韵律、崇高、平庸等。画面中必然的视觉因素固然重要，但更重要的却是那些偶然出现的、稍纵即逝的、随时改变的视觉因素，这也是素描所应潜心研究和追求的重要内容。
七、“构筑”的意义是吸引、纠结、控制
（一）博弈的烦恼
素描到底是什么？我们现在已知的对于素描的任何解释，都还停留在粗浅的阶段。很久以来我们在素描中所追求的仅仅是素描的细枝末节，我们总是满足于在画面上做出“单向性”的努力，我们只会“添加”“罗列”“堆砌”“摆放”，并且想尽办法在此基础上做得更熟练、更准确。我们已经不再考虑，或者说我们已经不会考虑，素描的意义应该是“双向性”的努力，我们还应该学会在“添加”的同时懂得减少、在“罗列”的同时学会取舍、在“堆砌”的同时能够组织、在“摆放”的同时善于调整。只有在“双向性”的探索研究中才会有纠结，才会有控制，才会产生博弈，才会具有素描创作的吸引力。
（二）在结构中成长
结构的含义有两个，一是指事物之间的形态关系，二是指绘画者对于形态关系的判断、选择和表现。学习素描的过程往往也是对于结构关系认识、理解和掌握的过程，从事物自身的结构，到事物与事物之间的结构，再到事物与画面之间的结构，都是素描需要考虑的范围。我们在画一个苹果的结构过程中，认识了它的自身结构规律，我们在画多个苹果的结构过程中认识了它们之间的结构规律，但这并不是学习素描的目的。素描的目的在于掌握这些规律，并且使绘画者的理性思维能力得以成长。
八、“风格”的起点是兴趣、习惯、任性
（一）从个性到共性
一般人都会认为，艺术的共性是形成个性的基础。但他们也会忽视，共性的达成也需要有个性作为前提。多数艺术家的个性都是从素描中养成的，也就是说素描的学习过程蕴含着未来艺术个性生成的可能。每个人绘画的习惯、观看的习惯、思考的习惯彼此不同。这些既是艺术个性产生的起点，同时也是艺术共性产生的起点。将众多的个性聚集在一起，那些不约而同达成的“重合点”就是艺术的共性特点，就是艺术形成的规律，否则我们艺术的共性、绘画的规律、素描的经验从何而来呢？
（二）从共性到个性
艺术的共性一旦形成，就会产生规律，而规律本身既是个性形成的基础，又是个性发展的障碍。因此艺术家对于共性规律的破除就会导致新的个性因素的诞生。素描的个性因素不但会促成共性因素确立，它们也同样能够促成共性因素瓦解。从共性的建立规则到个性的违反规则，再到下一个规则的建立与反叛，素描的学习与创作，一直都应该或者必须遵循这样的一条发展轨迹。
九、写看不见的“实”
（一）最实在的是形态而不是形
素描最核心的问题是关于造型，而造型本身既包括对形的研究，也包括对形态的研究，并且后者比前者更重要。素描中的“形”是一个孤立的概念，因为它没有“态”作为存在的依据，我们在此所说的“态”，是状态，也是动态，将它们加在一起，就是“形态”。“态”的存在是最为真切的，所以单独的“形”的存在价值，远不如多个“形”聚合成的“态”有意义。
（二）最具体的是氛围而不是体
写实的意义是写那些看不见的实，也就是事物与事物、人物与人物之间的关系，而不是每一个物体的轮廓。一张好的素描留给人们的印象往往不是那些客观意义上的“真实”，而是那些主观意义上的“真实”。前者的依据是轮廓，需要绘画者用“手”去完成；后者的依据是氛围，需要用绘画者的“心”去完成。素描的氛围包括画面的“气氛”“情调”“境界”以及素描人物和事物的状态。
十、画看得见的“虚”
（一）“虚”不是手段而是一种认识
素描中的虚与实是同样重要的两个造型概念，同“实”一样，“虚”不仅是绘画手段，还是对于素描造型的认识。“虚”是事物存在方式中的一个组成部分，没有“虚”的存在，“实”根本不可能确立，无论是在认识方法上还是在实践方法上，它们都同等重要。直到如今还是有许多的人认为，素描中的“虚”只是“实”的附庸，是为“实”而服务，为“实”而存在的。因此我们的素描才会一味地“实”，没完没了地“实”，直至我们忘却了“虚”的重要与存在。
（二）“虚”不是效果而是一种修养
素描中的虚实关系是相比较而存在的，缺一不可。然而画面的虚实运用，往往取决于作者的判断和修养。我们在素描中画“虚”，不仅是为了突出“实”，也是为了削弱“实”，这样“实”的存在才有价值。我们可以在素描的虚实判断中，不断地做出选择，不断地获得经验，不断地完善思想，并且在这种“突出”与“削弱”之间做到游刃有余，这就是修养。
十一、眼界是创作的法宝
（一）“画什么”比“怎样画”更重要
“画什么”对于大多数学习素描的人来说，是一个潜在的也是难以逾越的巨大障碍，因为我们已经习惯于把精力用在“怎样画”的技术思考上。与“画什么”这样的问题相比较，他们似乎对“怎样画”一个事物更感兴趣。在素描教学过程中，学生一旦将“怎样画”作为素描的最终目的并沉浸其中，恐怕就很难再为“画什么”而冥思苦想了。
（二）真知灼见的培养
能知道自己“画什么”“怎样画”“为什么画”，才算是掌握了素描学习与创作的根本，因为在这其中包含了太多的判断、选择、思考以及抉择。“画什么”是判断，“怎样画”是选择，“为什么画”是思考。在素描创作中，所有的“真知灼见”都源于对上述问题的追问。实际上所谓画得好的概念就是想得好、做得好、问得好等方面的综合。这是一个学生能否通过素描学习获得长足发展的关键所在。
十二、构图的乐趣就是改变构图
（一）一点点的不同
构图包含“建立规范”与“背离规范”这两个含义，“建立规范”意味着前所未有，“背离规范”则意味着与众不同。它们的前提与目的是相同的，就是追求不同。不仅包括更多的不同，还应包括很少的不同，哪怕是一点点的不同。在素描构图中所追求的哪怕是一点点的不同，都是素描构图的核心意义所在。掌握构图规律的目的，是建立未知的规律，而不是遵守已知的规律。不同是构图的生命力所在，也是素描的乐趣和热情所在。
（二）化平淡为神奇
构图的生命力取决于它是平淡还是神奇，而神奇产生的前提则是我们如何看待平淡、如何看待神奇。平淡是一种视觉适应性的表现，再神奇的构图看久了、用久了，都会流于平淡，而神奇本身也会因很强的时效性不能持久，最终转化为平淡。化平淡为神奇不仅是在平淡中寻找神奇，也要在神奇之中意识到平淡。神奇不是制造出来的，所有的神奇都来源于发现，而发现价值却是见常人所不能见。
本文针对当今素描教学中问题的论述，并没有从素描的技术层面着手，为读者提供标准的方法或可用的答案，而是将素描概念的认知作为写作的出发点，系统地揭示了在素描教学过程中仍然存在的问题的背景和原因，并且在此基础上尽可能地提出了分析问题和解决问题的角度，希望更多的人能够通过我的思考而有所启发和感悟。