第一章 怎样练习钢琴
我要把整章的内容都用来论述如何练习钢琴，讲讲怎样练琴最有效果。
总的说来，练琴时最重要的原则是：第一，要注重细节;第二，避免劳累过度，包括你的身体和精神。为了取得最好的效果，从开始就制定一个练习时间表是非常必要的。系统有序的练习对学习钢琴的所有阶段都有巨大的帮助，但是在开始阶段效果最明显，我深知这一点，因为我有幸得到了耳濡目染优秀钢琴传统的启蒙老师的指点。我的启蒙老师是我父亲，迈克尔•汉伯格教授，他又曾经是尼古拉斯•鲁宾斯坦的学生；我的第二个老师是莱谢蒂茨基，他曾经跟车尔尼学习过。车尔尼是钢琴演奏流派的代表人物，钢琴演奏流派诞生了无数当代著名钢琴家，影响了李斯特、安东尼•罗宾斯坦、陶西格以及当今的著名钢琴家。因此，我相信要参考好的练习方法或流派开始练习。这种方法可以用一种确定的、有条理的技巧发展趋势训练自己的心和手指。
诚然，获得理论和全面的音乐教育是好事，但是我认为，尤其是在训练以后打算成为职业钢琴演奏家的儿童时，他们的主要精力和时间应该用来学习如何掌握复杂的乐器弹奏技巧。我不相信学音乐的小孩可以不用钢琴就能学到很多东西，至少他们不依靠琴键是学不到演奏技巧的。我要强调这一点，因为现在流行很多给予小孩音乐教育的偷巧耍滑的办法。比如说，他们在被指导几个小时后就会模仿巴赫作赋格曲等等。这种指导在激发小孩音乐常识的教育上当然是有可取之处的，毕竟可以教五音不全的小孩具备音乐的能力，这种能力可能以后就没有了。但是在教育年轻的钢琴师的时候绝不能用这种本末倒置的方法，我们首先一定要让其对能够在琴键上演奏具有绝对的熟练度。
早期童年的练习时间一次绝不能超过半个小时，一天总共不能超过一个小时。而且一定要选择能够引起儿童想象力的作品练习，甚至连他们的练习曲都要好听，这样才能让他们感兴趣。最好是尽快向孩子大脑里灌输对触摸琴键的美好和轻盈地弹奏的渴望。
绝不能让任何一个小孩单独练习
每个小孩都不应当单独练习，一定要有人坐在他旁边监督他，看其是否将每个音符都弹到位了。为了达到这个目的，让小孩一边弹一边大声地数出来是最好的。决不允许他们使用踏板，双手要分开单独练习。因为如果双手一起弹奏，大脑的注意力就会被分散，而不能专注于某一只手的练习。并且，当用双手弹奏时，弹奏的声音就不会很清楚，这妨碍了弹奏的干脆利落，影响了需要被解决的麻烦的概念。
这些关于双手分开练习的讲解，主要应用在纯粹的机械练习上，比如手指关节的使用等等。同样也很重要的一点是，这些练习曲一定要容易，不能扭到手，因为童年时如果扭到手的话会导致非常严重的后果。所有调子的练习曲和音阶都要练习，不能只练习C大调，尽管大部分练习曲都是用C大调写成的。这是因为如果小孩每一种调子都能很轻松地弹奏的话，是非常有益的。另外一个要遵守的格言是：不可以一遍又一遍地反复弹同一首练习曲，这样大脑会被不胜其烦的重复搅成糨糊，不会有任何进步。
我在这里用了一定的篇幅探讨儿童如何练习钢琴，因为如果有益的系统练习在童年时期能够完成，到了青年时期就会成为一种习惯从而受益终生。
我们现在开始进入下一个阶段，在仔细地规划之后，年轻学生开始考虑把弹奏钢琴作为自己的终生职业。那么他所面临的问题也是所有的钢琴家，不论是伟大还是平凡的，都会面临的，即依照一种怎样的方法，才既能取得最大的效果又可以节约时间和精力，还能够让大脑保持清醒从而避免无谓的重复练习。
总的说来，我建议每一个高级阶段的学生，甚至是每一个钢琴师，通常情况下平均每天练习时间都不要超过五个小时，但也不能低于三个小时。对于没有任何演奏技巧基础的人，或者学会足够的演奏技巧有困难的人，或者音乐记忆力差的人，可以多练习一些，但是，总体说来，过多的练习只能带来厌倦感。不论在哪一种情形下，如果想要获得最好的练习效果，学生都应该想出一种合理分割自己练习时间的系统练习方法。一些学生有音乐会演出的经验和经常进行公开表演的机会（这些演出机会当然会妨碍平时练习，但也免除了练习的必要），他们也必须每天花费一定的时间进行技巧练习。
每天按时上课
为了达到这个目的，学生应当为自己筹划一系列的钢琴课。比如，首先手指技巧练习要占据一部分时间，十分钟的音阶练习，十分钟的琶音练习。每天要弹奏四种不同调子的音阶和这些音阶的琶音，还有半音音符，还要把音阶倒过来弹一遍。因此，如果每天能够用四种不同的调子弹四个音阶，那么每三天就能弹一遍全部的音阶。在弹完这些音阶后，10或者12个五指练习曲就可以练习了，它们包含了手的所有位置。我特别推荐哈农和车尔尼的练习曲，可以帮助训练出均匀、敏捷的指法。随着学生水平的提高，他应该把莫什科夫斯基流派的三度、六度音阶加到自己的日常练习曲目里去。
日常技巧训练的原因主要是：如果想要灵活、轻松地掌握钢琴，那么手指、手以及手臂的灵活度就是必要的。就像是田径运动员要每日固定地做一些运动来保证身体肌肉的弹性和健康一样，钢琴师也要通过相似的过程训练自己的手指、手和手臂。
常识性练习
现在，在练习的细节中有一些常识性的原则需要遵从，学生随着经验的积累会发现这些常识。比如说，如果学生某天需要弹奏有很多八度音阶和双音符的曲子，那么他当天就应该只进行音阶和手指指法的简单练习。在练习时，最好不要练习当天表演的那首曲子里包含的相同八度音阶和双音符技巧，否则的话表演时手可能会因过度练习而麻木。手的这种麻木常常出现在八度音阶特有的一些需要手伸展的时候。因此，为了能让手保持灵活有力，就一定要使弹奏的动作多样化。而且，假如学生在弹奏音阶和乐章时感觉到手有轻微的疲劳，就应立刻休息等疲劳感消失后再开始。
八度音阶练习曲
学生要避免练习太多的八度音阶练习曲，因为弹奏八度音阶的动作主要是由前臂肌肉的收缩产生的，如果不停地弹容易拉伤这些肌肉，一旦导致抽筋便很难治愈。我个人认为，学生应当在学习某些音乐作品时，才有针对性地练习作品中的八度音阶，如果他们使用库拉克八度音阶练习曲，就会发现这些练习曲要胜过其他的。如果要我指出一项钢琴师必须具备的身体条件，我认为那一定就是一只柔软放松的手腕。很少有学生仔细思考过这一身体条件，然而它是钢琴师得以饱满圆润地演奏，宏伟灿烂地完成作品结尾，把所有的情感优雅地呈现出来的保障。凡是演奏时手腕过于用力的人，弹出来的一定是刺耳的声音——而有的人更不幸，勤学苦练几个小时之后，不是手臂的某处肌腱肿了，就是手僵了，没办法弹下去了——这些都是没有注重锻炼出柔软手腕的结果。手上的动作如果不能随心去做的话，演奏就不可能真正的有力或有弹性，手指也很难弹奏准确，在演奏难度较大的急促乐章时就会失败。
钢琴演奏有很多流派，其中很多都提倡将手指抬离琴键越高越好，这样可以高屋建瓴地获得更大的力度，但是我却认为这样弹奏的声音会生硬、难听，而且这种高起高落的指法会影响旋律的流畅度和速度。我提倡手指贴近琴键演奏，这样声音更饱满更有弹性，弥补了钢琴的缺点，即木质结构特有的音色，这种音色即使是最好的钢琴也很难完全消除，这是钢琴与弦乐器相比的一个劣势。
我不认为理论的学习对演奏技巧的提高有多大帮助，因为理论学习会让学生不能专心攻克最主要的方面——提高演奏技巧，损失许多时间和精力。唯一有价值的学习方法是将全部精力集中于攻克每个具体的目标，集中训练某一技巧，比花费几个小时练习不同技巧却全无突破要强得多，这和学习文化课是一个道理。
还有，就技巧练习而言，很多学生得到的资料是低级的音乐作品和不良的技巧指导。学习资料不一定要选自真正的音乐会作品，如肖邦、李斯特作品等，它们都不是纯粹的技巧练习的素材，学生的演奏水平达到一定程度后，自然可以攻克这些美丽的音乐难题。
高阶段学生还应当将练习的作品形成一个节目表，当有一天需要在音乐会上表演时，这就是他们的演出曲目。
现在说说如何开始学习一首作品。我们最好先从技巧角度来看看这首作品，学生只有学会作品中的技巧，才能表达出作品的内容。学生要按照作品涉及的技巧将其划分为几个部分，找出其中最难的乐章。不过从技巧的角度讲，所有的作品都仅仅是音阶、三度音阶、乐章等等的集合，只是通过不同方式和谐地组合起来表达作者的不同思想内容罢了。
掌握高难度乐章
找出最难的乐章之后，很多人就反复练习该乐章，以为这种反复练习可以攻克难题。这是不可取的，学生应当先弹一到两遍，然后停下来思考一分钟，努力在脑海中产生一个清晰的印象。然后重新开始练习，比之前多练习几遍，再次暂停。大脑通过这种停停想想的方法保持清醒，如此学生方能轻松迅速地掌握和记住这些乐章，如果不停下来聆听或者思考这些乐章，无谓地反复练习，他的大脑最后只能成为一片糨糊。
我们先将一首作品分为几个部分研究，比如分成8个小节，一次研究一节，把每部分都熟悉了之后，再把作品作为一个整体研究，才是一种好方法。年轻学生容易忽视的另外一件事就是作品的低音部或背景音部。在听学生演奏一首作品时，我们常常可以发现，只听到学生右手部分的声音，左手部分的演奏含糊不清，什么都听不到。这个问题并不容易解决，这是因为大部分人的左手，也就是用来弹奏低音的手，都是天生无力的。但是无力的低音部分是一种严重的缺陷，这会破坏整个作品的结构，破坏主旋律的和谐。毕竟，像其他艺术作品一样，音乐也需要一个稳固的根基，所以学生必须重视低音部分的练习。
最后我衷心地建议学生从练习巴赫的作品开始，勤奋地练习每一首音乐作品。没有任何一个作曲家能像巴赫一样将自己的作品精心雕饰以获得最好的演奏效果，他的多音部创作本领，双手各自独立演奏的技巧，还有作曲家的思想都是值得我们学习和借鉴的。巴赫的作品感性与理性兼备，学生努力练习他的杰作对培养自己的艺术品位和理解力有无可估量的帮助。